わたしが今学んでいるバレエ教授法、ABTのNational Teaching Curriculum(NTC)について。
とにかく授業が始まってからの3週間ほぼ毎日のように言われているのが、Training should be simple and classic. Style is something you learn and add on later.ということ。バレエの訓練では、ケーキのスポンジ部分をしっかりと作る。スポンジができたら、クリームである「スタイル」を塗って完成。でも違うクリームも塗ることができるから、どんなケーキでもできるようにしよう、ということ。たとえばのはなし。
おそらく世界中で見られることだとは思うけれど、特にアメリカでは、バレエのスタイルの影響の大きさ、存在の大きさは他の比じゃないのではないかと思う。
ただ問題はそのスタイルあるいはメソッドがどれだけauthenticなのかということ。どれだけ本物か、というのは、ただ単に「本家のオリジナルじゃないから偽物でよくない」ということが言いたいのではありません。いわゆるスタイルやメソッドが独り歩きすることは、バレエの世界ではかなり頻繁に見られること。特に自分の師から教わったことは「絶対」という暗黙の了解がバレエ界にはあるから余計です。
たとえば、ある振付家が同じ作品でもダンサーが変われば、そのダンサーに合わせて振付も変えたり、そのダンサーに合わせたアドバイスを与えていたとします。ところが、振付家の影響力・存在が大きすぎたがために、あるダンサーの特徴に合わせて言ったアドバイスが教典化されるというケースもあります。当たり前ですが、身体や動きの特徴は人それぞれ。特定の人へのアドバイスが、万人に当てはまるわけではありません。
こうしたアドバイスがスタイルやメソッドとして教典化されることが、なぜ訓練において問題なのかといえば、しっかりとした骨組みの形成よりも表面的な部分が強調されてしまうから。
作品を踊る上では、歴代のダンサーの踊りを研究して、真似をして、芸を磨く、というのは必要となることですが、訓練では話が違います。
正しい訓練を受けたプロのダンサーは、技術の基礎ができあがった上で、自分のテイスト、スタイルや芸といったものを編み出したり、他のダンサーや振付家のスタイルを習得していきます。しかし、きちんと基礎ができる前のダンサー(あるいは習得者)が、いわゆる見栄え重視の「飾り」となるスタイルに重点がおかれた訓練を受けたらどうなるでしょう。結果としては、自分のバレエのベースとなる基礎がないために「土台のない家」のようなことになります。現実的な問題として、技術的な基礎が正しく習得できていないと怪我(急性・慢性どちらも)にもつながります。
バレエには、いくつかの流派(school)があり、伝統的なものでいうと、ロシアのワガノワ、イタリアのチェケッティ、フランスの３つが挙げられます(ブルノンヴィルは特殊だからおいときます)。それぞれが異なる文化圏で形成された流派なので、顔の付け方や手の形など異なるところがあります。しかしこうした違いは、それぞれの流派の美学・哲学など、根底に流れるものに基づいて形成されたものであって、そのコンテキストから外れて生まれたものではありません。
畑は違うけれど、世阿弥も同じようなことを言っています。手元に伝書(『花鏡』)がないので正確な引用はできませんが、わたしが修論に書いた内容からすると「いきなり名人の真似をしてはいけない。名人を真似るのは師匠についてしっかりと稽古を積んでから」ということ。名人は、基本の「型」というものをそのまま演じるわけではありません(それじゃつまらないし、名人じゃない)。型を崩しているのかもしれないし、型どおりよりも控えめに演じているのかもしれない。けれども、それは型を習得したうえでの演技であって、その名人の演じている「形」だけを素人が真似ても、土台となる型ができていないから、真の芸にはならない、ということ。ましてやその「形」が訓練や稽古のベースとなっていたとしたら、どうでしょう。
こうした問題に着目して、きちんと訓練された、健康なダンサーを育てるにはどうしたらいいかということを追求していって出来たのがABTのNTCとなるわけです。
ABT創設メンバーはチェケッティの教え子や孫弟子だったため、カンパニーの歴史やアイデンティティを考慮した上で、NTCではチェケッティの用語が使われています。それでもチェケッティの指導法をそのまま試みているわけではありません。この動作はどこから来ているのか、初めてやったのは誰なのか、誰がこうすると決めたのか、流派でどう違うのか、何が「独り歩き」の結果として定着したもので何がauthenticなものなのか、などなど。このカリキュラムをつくるにあたってカリキュラムの創設者たちが網羅したバレエ教授法や歴史に関する文献や情報量はハンパじゃない。「このエクササイズはパリ・オペラ座、これはワガノワの」というものもちらほら。前の記事にも書いたけれど、カリキュラムを組み立てた１人はオペラ座で訓練を受けたダンサー。彼らが師事していたAlla Osipenkoはワガノワの最後の弟子のひとり。とにかくコネもすごい。2008年に始まったばかりのものなので日本はもちろん、アメリカでもまだあまり知られていない。かといって、突然作られたものではなく、彼らが以前教えていたプライベートのバレエ・スタジオやバレエ学校で得た経験と知識と一緒に相当な年月をかけて形成されたカリキュラムなのです。
カリキュラムは、実際のレッスン内容だけでなく、メディカルの専門家も招いて作られたもの。解剖学的に一番無理なく効率よくできる方法についてはもちろん、生徒の年齢によって異なる発達状態にも注目した指導法。例えば、５、６歳まではロジックはもちろん、まだ人間として必要な能力が発達しきっていないから、本格的なバレエのレッスンはもっと後になってから、というのもその１つ。思春期の生徒たちにはどのようにアプローチするべきか、ということも触れます。
とりあえず、こんなことを勉強しています。今は学んでいるレベルのレッスンを受けて、その内容のポイントや重要性についてのレクチャーを受けています。たまに解剖学や音楽(ピアニストさん)のレクチャーなんかもあります。
こうして文字にしてみると、今までやっていた研究と重なる部分があることに気づいたりして面白い。これでまたバレエに限らず学校における舞踊教育なども含めた教育理論の授業と合わせて考えると矛盾点が出てきたりしてさらに面白い。課題ばかりに追われていてもしかたないので、たまにはこうして振り返ったりしながらライフワークである「舞踊と人間の関係」について考えてるのも必要だなと実感。
ざっとした概要なので、本当はまだまだ言いたいこといっぱいあるのですが、今日はここまで。
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